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2019年8月17日 - 音乐乐器
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亚洲必赢网址bwin ,身体作为乐器 非洲人民在北京留下脚印

中国乐器行业网 2011.12.29

越来越多的外国艺术进军中国,欧洲的西洋乐器,亚洲传统乐器演奏下的民族艺术,中国成为外国艺术的捞金之地。

近日,《非洲脚印》舞蹈团正在全国展开巡演,并将于下月13-18日登陆北京。相比潘祖拉舞的变幻莫测、足尖踢踏的复杂技巧,震撼视听的神棍舞则从力量上展现了非洲古老的庄严与神圣。南非前总统曼德拉访问舞团时,演员们曾以棍舞夹道恭迎,历史性的场面至今令编舞大卫记忆犹新,“演员用身体制造节奏,每一次敲击,你都可以清晰看到演员手臂跳动的血脉,他们是用灵魂在致敬。”随着大卫的介绍,镜头对准了正在排练的舞蹈演员们,他们正带妆彩排第五个节目《对抗/棍舞》。

偌大的舞台,没有现代乐器和音响设备的辅助,仅仅配以非洲鼓的简单节奏,要将非洲舞蹈的动感与激情传达剧院每一角落,大卫表示舞者需要凭借不同介质让手中的棍子最大响度的发声,棍子、墙壁、地板甚至舞者的身体,都成为了发声器,而不同介质的音色又要求舞者准确掌握力度和敲击部位,才能保证30多位舞者发出的声音犹如合唱团一样整齐、动听。

敲击、跺脚、翻越,舞者用自己的身体发出整齐、强有力的节奏,6分钟的舞蹈可以说不亚于一场马拉松比赛。视频中舞者拜伦·奥利瓦托在排练完一场棍舞后,对着镜头说:“我的身体很痛苦,非常疲惫,但我还是会坚持把演出进行到底,你知道你需要舞蹈,你的身体力量需要靠舞蹈去宣泄,这就是你在舞台上存在的意义。”之后,他走进休息室,舞团御用医师将一根根银针扎进小腿,为其进行针灸理疗。

—-来自新浪网

博茨瓦纳舞蹈节胜利召开

中国乐器行业网 2011.07.25

7月21日21时,乌鲁木齐铁路局工人文化宫内,舞台大幕徐徐拉开,灯光亮起,排成一行的演员们吹着口哨,躬着身子,整齐地登场,简单而悦耳的节奏立即感染了观众,场下响起了欢快的掌声。
女子拍手起舞,男子抬腿跺向地板,嘴里发出几声吆喝,伴随着清脆的鼓点,随性自然的非洲内陆所特有的气息顿时氤氲开来,随着舞者跃动的身姿,观众们的思绪已然飘向神秘而又遥远的国度。
古老的赛他帕舞、塞雷特舞、迪奎尔舞向人们展示着博茨瓦纳人休闲娱乐时的场景;独特的乐器演奏,阐释着博茨瓦纳人热爱生命,热爱自然的情怀。
台上演员跳得尽兴,台下观众看得过瘾。
22时许,演出进入到高潮,穿着民族服饰的演员们跳着舞步走下台来,邀请观众一起上台表演。姑娘、小伙、小朋友们大胆地上台展示自己,他们虽然没有学过博茨瓦纳舞蹈,但是在老师们的指点下,竟也跳得有模有样,这样的互动更是拉近了与观众的距离,一时间,照相机快门声、观众喝彩声响彻大厅。
主持人介绍,该舞蹈团于2009年8月成立,共有45名18岁以上的青年组成,曾多次参加该国舞蹈比赛,包括2009年和2010年度总统日全国舞蹈大赛,均获得第二名的好成绩。这些舞蹈,有的主要在总统就职、婚礼、传统派对等大型活动中表演,有的在医治仪式中表演,还有的则用来庆祝丰收。
演出最后一个节目是发瑟斯舞,主要表现丰收的场景,这群黑皮肤、黑眼珠的舞蹈精灵们不失幽默,男子伴随着女子的歌唱,拍手而舞,最大的特点是将山羊皮绑在腿上,舞者通过用手脚拍打这些皮革来发出富有节奏的声音。
23时许,演出全部结束,意犹未尽的观众起身致意,长久地鼓掌,而台上的演员们,也被观众的热情打动,依旧手舞足蹈。“感受到了新疆人的热情”
洛林是博茨瓦纳迪韦采传统舞蹈团的团长,演出当晚,她像一名普通观众一样坐在场下,面带微笑地观看自己同胞的表演,同时还不时地向左邻右座的观众问好,点头致谢。
谈起在首府待得这几天,她说,新疆现在的季节是夏季,而他们的家乡则正是冬季,感觉新疆的气候跟他们那里差不多,只是建筑物很漂亮,显得很繁华。而且新疆的观众很热情,很友好,让这些舞者得到了尊重,每场演出气氛都不错,基本上最后一个节目演完了,演员们还会加演,来回报观众们。
传统舞蹈都面临着创新,洛林说,每个民族的传统舞蹈都有特色,博茨瓦纳传统舞蹈也不例外,如何创新,使传统舞蹈增添新的色彩,这是一个很难的问题。
博茨瓦纳人试图保留舞蹈的特色,只有在形式上进行改变,例如动作,仍保留舞蹈中腰部和腿部力量的运用。“但是一般不会轻易改变,我们还是喜欢这些传统的东西。”洛林说。
见到三轮车很兴奋亚洲必赢网址bwin专擅有心病,他们那样跳。
当日23时30分,演出结束后,在返回酒店的大巴上,迪韦采传统舞蹈团的成员们依旧活力四射,三五成群地说笑着。
在大巴车行至河南东路时,这些年轻人纷纷用手指着窗外,发出“哦哦哦”的吼声,原来一辆简陋的三轮车吸引了他们的目光。
随团翻译小曹笑着说,三轮车在博茨瓦纳随处可见,但是到了中国的这些日子,充斥眼前的都是高楼大厦和繁华的街景。此时,突然看见了这辆三轮车,让他们想起了家乡。
随性的博茨瓦纳人
随性,是博茨瓦纳人留给人们最深的印象。在酒店的餐厅里,他们衣着随意,不修边幅;在舞台上,哪怕耳麦掉在地上这样的失误,他们也会和着音乐,踩着碎步,巧妙自然地捡起。他们的随性自然,与穿着正装就餐,演出不允许失误,大巴车上正襟危坐的朝鲜平壤舞蹈团演员们形成鲜明的对比。
对于舞蹈,博茨瓦纳人似乎永远不知疲惫,也许舞蹈就是他们的生活。酒店庆生派对,开幕式彩排,演出结束后的后台,他们都在手舞足蹈,载歌载舞,如果不是翻译的提醒,他们可以一直跳到天亮。用“跳舞机器”来形容他们,一点都不过分。
最原始的服饰 两种秘密乐器
26名舞者的服饰,大部分演出时都是穿着简陋,尽量体现出非洲原住民的特点,男子头戴饰品,赤裸上身,下身用兽皮遮盖,有时光脚或着草鞋,而女子则用兽皮遮盖住重要部位,脖子及胳膊用饰品缠绕。
别看这些演员们在舞台上穿成这样,平时他们在国内还是像普通人一样,这仅是舞蹈需要,只有在传统仪式上、婚礼喜庆的日子里穿成这样。野狗皮、山羊皮做成的衣服,龟壳、鸵鸟蛋壳磨制成的耳环、项链,兽角做的头饰,不但轻便而且实用。
博茨瓦纳专场演出中,没有添加电子乐或其他现代手段的配乐,有的只是口哨、吆喝以及拍打身体或脚踩地板的声音,可谓纯原生态表演。
21日晚上,市民们得以有机会见识到了博茨瓦纳迪韦采传统舞蹈团的两种秘密乐器,一种是类似于二胡,但体积比二胡大一倍,且只有一根弦的赛哈巴;而另一种则是比一般吉他少两根弦的卡他若。
赛哈巴是一种传统的乐器,最早出现在17世纪,荷兰人在开普敦定居后,带来了金属线,当地人将它们用于制作这种乐器,通常在晚上牛仔放牛归来在牛棚边表演,以庆祝动物健康生长。赛哈巴后被调成钢琴一样的角色,可以和钢琴、吉他等乐器一同演奏出美丽的旋律。
而四弦琴的卡他若则有其特殊的弹奏方式。通常三根弦的音调是调准的,而第四根弦是没有准调的,一般是即兴创作。

—-来自天山网

舞者将身体凝聚的力量打散,再在过程中糅合重组,他们以这样的舞蹈原则来表达身体的艺术——这群舞者来自陶身体剧场。他们以研究身体为方向,用舞蹈来解释人与身体之间的关系。

从1987年广东现代舞实验班开办,到2005年私人公司被容许独立经营艺术团体后,舞团如“雨后春笋”般出现,现代舞在中国似乎迎来了发展的一波高峰。“双周”期间,早报记者就此采访了“北京舞蹈双周”总策划人、中国现代舞领军人物曹诚渊和北京雷动天下现代舞团艺术总监李捍忠,试图深入中国现代舞现状的内在肌理,解读中国现代舞蓬勃生长背后的得失与隐忧。
对中国现代舞的发展,“北京舞蹈双周”总策划人曹诚渊颇为乐观,他对2011年在国内演出过的中国现代舞团做过统计——去年有30个在全国各地演出过的现代舞团体,他用“雨后春笋”一词来形容这一年国内现代舞的发展。
这些舞团中,拥有10到15名固定舞者和相对稳定的行政、技术、服装、舞台人员,每年能在国内外维持一定场次和水平演出的专业舞蹈团有5个,分别为香港城市当代舞团、广东现代舞团、北京现代舞团、上海金星舞蹈团、北京雷动天下现代舞团(在此之外的北京当代芭蕾舞团,很大程度上也糅合了现代舞技术的运用,可算半个现代舞团)。
国内的现代舞团现在主要分为三类,一是依附于国家文化机构的舞团,二是正规注册独立经营的商业舞团(如北京雷动天下现代舞团),三是非营利舞团和个体独立舞者(如上海不乱扭独立制作)。
“中国现代舞发展是先香港,再广州,然后是北京,现在的情况是整个国内二、三线的城市开始出来,很多年轻人自发创作东西,很多大专院校、师范大学的舞蹈系也开始强调现代舞教学。”曹诚渊说。从这次汇聚在雷动天下剧场和解放军歌剧院的众多参演和观演人群,我们似乎能感觉到现代舞在北京的火爆和繁盛。那么,中国现代舞已发展到最好的状态了吗?
成名剧目少
虽然近几年来,国内几个专业现代舞团已成为国际艺术节上的常客,也受到欢迎,但“作为邀请剧目,我们不是有特别多的剧目拿得出手”。北京雷动天下现代舞团执行艺术总监李捍忠说,自己编创的最受欢迎且在国外受邀最多的剧目是《满江红》,“从十几年前一直演到现在”,这种情况和金星舞蹈团的保留剧目《海上探戈》相类似。保留剧目通常要有足够的思想深度、艺术价值,同时又要能得到市场的广泛认可,但从目前看来,这在国内都是凤毛麟角。
知名剧目的稀少,影响了现代舞在国内市场上的号召力,也进一步导致观众对现代舞认知程度偏低。“即使在演出市场最为繁荣的北京,现代舞也是极其小众的。”陶身体剧场艺术总监陶冶此前在接受媒体采访时说。反之,简单易懂、唯美浪漫的芭蕾在市场上更受欢迎,这在全国都一样。
难出舞蹈明星
对国内众多学习舞蹈艺术的舞者来说,能在这一行成“名”成“家”的非常少,现代舞演员不像古典音乐界的一些名家,背后有经纪人、经纪公司和资本市场来支撑运作。如今,引领着国内现代舞走向的,还是1990年代那批从广东舞蹈学校和现代舞团出来的金星、李捍忠、邢亮等人。
“现代舞和商业运作不一样,首先现代舞这个‘明星’的概念就不太存在。比如芭蕾舞就需要明星,要有气质,要有众星拱月的感觉衬托王子和公主。但现代舞是完全不同的,在国外看演出,我们可能会说这个演员好,但包括他自己和整个舞团在内,都不会让他有一种明星的感觉。”李捍忠“用现代舞是一种更真实、朴实的艺术”来解释这种现象,“金星是个例外,而且她也是借助舞蹈之外的电视平台获得了更多关注。”李捍忠说。
另外,李捍忠认为,国内各种商业演出的繁盛对现代舞的创作也造成了一定冲击,“有些编导做出点成绩、有点经验就会被很多商业活动拉去做商演。”商业社会的浮躁和媒体娱乐化的导向,都牵扯着艺术创作者去着急追逐利益,而不能放松下来安心创作。
资金赞助不稳定
“每次我们在国内演出都亏钱,因观众不买票,我们已经在这儿十六年了,总是得靠国外的表演才生存得下去。”北京现代舞团艺术总监高艳津子曾表示,参加国际演出,是国内现代舞团生存的重要支柱,他们也会利用从中获得的收入,支撑自己在国内的表演和创作。所以,他们在国外演出的时间基本上比国内多。
曹诚渊将国内现代舞团在国外正规演出的方式归为五种:国际艺术节或舞蹈节邀请;政府部门、文化部门安排国际文化交流;国际文化机构邀请合作;国内外舞团、编导合作编创剧目以及最具经济、规模效益的商业性世界巡演。这是国内五个专业现代舞团,以及有能力的独立舞团所能采取的国外参演方式。但对大部分连生存都略显困难的独立舞团和个体舞者来说,他们能在国外演出的机会少之又少。
由于国内现代舞的资本运作十分有限,舞团若单靠门票收入,根本无法稳定生存基础,他们的资金筹措还必须仰仗于政府资助、国际资金赞助、企业赞助和教学收入。但通常,这些资金来源也以不稳定居多。虽然曹诚渊称雷动天下舞团每年都可向北京市创意产业基金申请50%左右的补助,广东现代舞团也会由广东政府支持60%的运营费(此前举办过八届的“广东现代舞周”也曾因资金短缺面临停办危险),但政府补助的范围并不包括未注册的独立舞团,所以,对类似于没有演出证的上海不乱扭等舞团来说,演出之后的观众捐赠,是他们能在公开场合获取的唯一合法收入。
资金流入稀少,也导致剧场短缺。不说二、三线城市,光说在上海,租不起昂贵剧场,又无法到国外巡演的独立舞团,只能选择地势偏僻的实验剧场如下河迷仓或公益性机构如外滩美术馆、民生现代美术馆等地演出。
“我们的舞者非常僵化”
“从纯身体的技巧和素质看,国内的现代舞舞者是非常强的,因为他们的训练一般是从十岁就开始,从小就训练芭蕾、民族舞、民间舞,身体基础相当好。通常,他们的身体素质要好过国外的舞者,尤其是现代舞舞者。”在接受记者采访时,李捍忠就国内现代舞舞者的素质,做出了这样的评价,“但从理解能力,包括对舞蹈、对编导意图、对音乐等各方面的理解来看,中国的舞者相比国外舞者就差太远太远,因为外国舞者从小就在综合学校上课,上普通大学,综合素质很高,我们的舞者则非常僵化。”
“中国的舞者习惯听命令。”从2009年就开始和中国本土舞团合作,且在舞蹈双周开幕式上编排《如歌》的英国编导珍妮丝·格雷斯顿说。“他们学东西很快,肢体柔软,动作轻快,舞蹈技巧也非常赞。”珍妮丝说,但容易存在的问题是“一些中国编导习惯于直接告诉舞者怎么做动作,怎么摆姿势,中国舞者在听从命令时,没有多少个人发挥的空间。英国的舞者就比较独立,有自己的想法,也善于做创造性决定”。曹诚渊认为,这和国内传统舞蹈教学“老师怎样教,学生就怎样跳”的方法不无关联。
在珍妮丝看来,与她合作过《如歌》的李捍忠,与舞者合作的方式是尽量沟通,这种经营模式更像西方的现代舞团,开放、自由,舞者和编导的地位相对平等,也有更多自主权。“在欧洲,我们习惯给舞者一个想法、一个概念,然后再搜集他们对这个想法的反馈来编舞。但我不能把雷动天下作为中国舞团的唯一代表,毕竟他们是走在最前面、最前卫的那批人。”

陶身体剧场多次荣登《纽约时报》,首席艺术评论家Alastair
Macaulay对他们的作品赞赏有加。“陶身体”的舞蹈能给观众带来强烈的直观感受,作品不断地展现舞者对身体的了解。

责任编辑:紫一

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陶身体剧场《Wight X 3》,剧照

他们是谁?

2008年,陶身体剧场在北京成立。当时的主创舞者只有陶冶、段妮、王好三个人。

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创立之初,他们面临缺少资金、场地、作品的境遇。因为北京的排练场地租金过于昂贵,他们不得不奔波于河北与北京之间,每天需要花费5个小时的车程。尽管如此,作为创始人之一的陶冶心中却没有其他的杂念。

他认为既然已经选择了自己喜欢的事情,那么就更应该享受当下的状态。而首部作品《重之三部曲》,就是在这样的历程中产生的。

这部作品以三支不同形式却具有相同风格的舞蹈构成,三支舞蹈均衍生于动作。舞者们不停用身体来重复这些动作的元素,身体幅度由小渐大,动作在过程中逐渐得到发展。

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陶身体剧场《Wight X 3》,选段

“陶身体”并不想直接给“重”字作定义。他们仅仅用主观意识去定位,将更多的空间留给观众自行想象。

作品的出色程度毋庸置疑。独特的表达形式及舞蹈原则,使他们逐渐被国外舞台所熟知,众多的国家、大型的艺术节、著名的剧院都对他们发出了表演邀约。

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2014年2月,陶身体剧场受邀成为印度Attakkalari双年开幕首演中的第一个中国舞团。

当时的西方国家,舞者多以“持”的形式去表达身体力量,而陶身体剧场却恰恰相反,他们的舞蹈更侧重于表现力量“懈”掉的部分。

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陶身体剧场《5》

“陶身体”的作品给观众带来极具颠覆性的感受,令国外的观众及媒体赞叹不已。西方的文化群体也因这般从未见过的“东风”,对东方文化产生了极大兴趣。如今,“陶身体”的脚步已经遍及无数国家,他们在不同的土壤上诠释理念,演出行程总是被安排得满满当当。

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2014年,作品《7》受邀在澳大利亚进行首次公演。

陶冶对于国内的文化现状有着自己的思辨。他认为文化代表着一个国家的软实力,他看好国内市场,但不盲目乐观。

陶冶认为这个时代信息泛滥,大家都在拼命创作,文化环境中难免有很多“泡沫”。对于这一部分,他表达道:“现在的时代节奏是消费的、碎片化的、没有持久性的,而陶身体的舞蹈无法带来短暂的、愉悦的快感,没有办法像商业市场那样迅速消费过去。我认为,对艺术和文化来讲,慢慢沉淀更为重要。”

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陶身体剧场与山本耀司跨界合作

2013年,陶身体剧场曾做过一系列的工作坊,但在当时得到的反馈并不理想,这令陶冶十分失望。

这个浮躁的时代考验着艺术家的恒心,也考验着创作者能否耐得住寂寞并着手于基础。身体的语言抽象而原始,陶冶认为在目前这个时代中,身体是最具有纯度的。

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2015年,“陶身体”面临了第一个阶段转折。此前,他们将大部分的精力都放在了国外。

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陶身体剧场在瑞典UMEA城市芭蕾舞蹈学校开展舞蹈交流工作。

国外不间断的演出,使他们逐渐感受到消耗。能量持续释放后,却没有得到反馈与补充。频繁演出带走了思考的空间,这成为陶冶决定将重心放回国内的契机。

此后,陶冶开始逐渐调整方向。更多地投身于国内舞台,并着手开办工作坊、讲座,为“舞团”招纳贤士。

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陶身体剧场开展的工作坊活动

在夜以继日的创作过程中,陶冶和段妮研究出了一套叫做“圆技术系统”的训练方法,这种方法十分奇特。

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训练方法是假设以身体的某个部位作为“画笔”,舞者要用这只“笔”来画圆。它不给予舞者限制,身体的任何一个部分都可以用这种方法来练习。

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在训练过程中,舞者的身体重心会失去平衡,甚至会因为动作幅度使视线模糊不清。陶身体就是以这样的方式来开发身体的潜能。

他与她,像是天造地设

身为舞团核心人物之一的陶冶出生于重庆。从重庆舞蹈学校毕业后,他先后在上海武警政治部文工团、上海金星舞蹈团和北京现代舞团担任舞者。

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谈及陶冶,便离不开另外一个身影。1977年,段妮出生于西安。她在北京舞蹈学院学习期间就获得了赴美参加文化交流的机会,毕业后进入上海金星舞团担任舞者。

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段妮的身体语言极具包容性,能够同时容纳众多看似矛盾的对立元素。她在舞团第一次诠释舞蹈就被英国现代舞的编舞奇才阿库·汉姆(Akram
Khan)选中并前往伦敦。

段妮作为一名舞者,拥有着极佳的身体天赋。尤其在舞蹈表现上,她的气质与众不同。

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陶冶与段妮因舞蹈结缘。2003年时,他们同在上海金星舞蹈团担任舞者,由此相识。

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虽然两个人最初的交流不多,但在初识时,他们就立刻知道对方是十分清楚自己想要什么的人。随着时间的推移,同样热爱舞蹈的两个人慢慢熟络,在逐渐靠近彼此的同时,似乎看到了另一个自己。

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陶冶觉得两个人的相遇像是冥冥之中的安排。谈及双方的性格特点,他形容为“天造地设”。陶冶与段妮在创作中拥有极佳的默契,并在舞蹈理念上不断影响对方。

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陶冶这样形容段妮:“她的身体,已经不只是美可以形容的,是一个当代性的身体,是我从学习舞蹈以来最认可的身体。它已经达到了一个过程,没有点线面,是一个舞蹈演员修炼到的最高境界。她不只是一种色彩,更是个万花筒,有许多色彩。”

独有的特点,用4个月时间编排出来的作品。舞蹈时长20分钟,拥有紧密的结构和恰到好处的段落变化。

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这部手持木棍的独舞以重复性为聚点,让观者感受个体不断释放的源动力,旨在探讨人类身体的潜能。作品通过“重复”,解构了时间的概念,观看的感受过程由此被强化。

看似简单的木棍,实际上非常考验舞者对身体的把握,这是经验成熟的舞者才能驾驭的表演。我们在段妮的身上看到一种硬朗却不失柔美的舞蹈气质,她将一种沉默的力量收放自如。

他们是彼此的Muse,是工作伙伴、也是夫妻。如同一场交织的共舞,他们相互辅佐,彼此影响的同时并不失去个体的独立性。

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跟身体“死磕”

相比于“现代舞”,他更喜欢称之为“现在舞”的说法。虽然打破常规是现代舞规则中的基本特征,陶冶却不希望人们太过简单地给他们下定义。陶冶并不喜欢被狭义的解读,尤其是被人们赋予标签化的定义。

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陶身体剧场《4》 选段

陶身体剧场是目前在中国的现代舞团中气质最特别的一个。他们对待事物有自己的见解,在浮躁的时代中也不肯随波逐流。陶冶甚至不太希望大家称呼他们为“舞团”。

舞蹈作为时空的艺术,同时运用了许多其他艺术的元素。就拿线条、形状来说,它在舞者身上的综合应用和其在绘画及雕塑上的应用是完全一致的。

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众多元素中,舞蹈最常涉及的还是音乐元素。无论配乐与否,舞蹈仍在很大程度上依赖着它。

第一部作品《重之三部曲》排出之后,陶冶就表示要摒弃这些舞蹈所时常具有的元素。其在作品的编排中,尽量避免出现色彩和符号,不带有剧情、不涉及叙事,减少对音乐的依赖。他认定以“研究身体”为方向,要自创一套身体语言和体系。

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这种少即是多的做法,形态有些类似于简约主义。但陶冶一直在极力避免定义,或者被归于某一类风格。如此大刀阔斧地减少要素的初衷,是希望观众能多以舞者的身体表现为重点。

我们对艺术的认知有不同的层次。比起其他的艺术形式,舞蹈能让人越过认知层次的隔阂。无论观者对舞蹈知识了解得深入与否,都能直观地触碰到更深层面,即创作者“想表达什么”。

常有人问“陶身体”想表达的是什么,但却往往得不到直接答案。陶身体剧场不断重申,所有的一切还需要观者自己感受。

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他们到目前为止,作品多以递进数字的方式来命名,数字则直接与舞者的人数相关。陶冶说“名字在我的作品中最没有意义,名字很有想象空间,我希望自己的作品不要有定义。”

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陶身体剧场《8》

舞者曾表示,更多想借由现代舞来解释的是关于“我”、“身体”、“是什么”这三者之间的关系。

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陶身体剧场《6》选段

云门舞集的创办人林怀民曾目睹陶冶与段妮编排作品《2》的过程:“在国内,目前我最看好的编舞家是陶冶。他和太太段妮两个人编一支舞,在地上爬来爬去,30分钟站都没站起来。为了这支舞,两个人死爬活爬地弄了10个月。”

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陶身体剧场《2》选段

相较于陶身体剧场的其他作品而言,《2》包含了更多关于陶冶与段妮之间的感情,但陶冶并不想仅仅表达一个男人与一个女人,或者是这两者间的关系。他想排出一个具有质感的纯肢体舞蹈,其中更重要的在于体现性别上的超越。

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陶身体剧场《2》的剧照

“陶身体”希望剥离舞者在舞台中的性别代入,所以他们的舞者都会像段妮一样,发型多以光头或短发为主,这也成为了他们独有的标志性特点。

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陶身体剧场《8》

当我们观看这样的舞步时,空间的概念被抽离出来。不论身处何地,我们被舞台中央的他们所吸引,甚至会屏住呼息静待下一秒随之而来的动作。

这种美感引人共鸣,震撼人心的部分是由沉淀而生。我们甚至可以在舞者的肢体动作中看到他们对事物的解读。

毛姆曾在书中写道:“沉默也是一种对话”。那么这样一场观者与舞者的“对话”,人们会从中收获到怎样的参悟?所谓“一花一世界,一叶一菩提”,事物也许不同,却又大同。这样短暂的动作艺术,让我们在其中获得不同层次的感受。与此同时,感受都同样深刻而直接。

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