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博宝艺术网访谈张东林访谈录,摄影之友亚洲必赢626aaa.net:

2019年9月22日 - 美术动态
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大千世界,不但动植物有个性,万物皆有个性,有个性才有生命力。艺术也一样。就中国画而言,它不仅具备造型基础、笔墨技巧这些基本功,还要在所画物象的神似上下工夫,因为中国画强调的是“神韵”追求的是“意境”,与西洋画强调的是“真”,追求的是“象”,是截然不同的两种艺术观点,所以中国画仅仅追求形似是不够的,还应该追求画面上的“神韵”和“意境”,通俗的说就是追求艺术的个性,何谓个性《现代汉语辞典》中告诉我们:个性就是在一定的社会条件和教育影响下形成的一个人的比较固定的特征。所以就现代国画艺术而言,我认为,它的个性应该是在文化大繁荣、大发展的社会条件下,通过接受古今中外艺术的影响和熏陶,所产生的作者本人对国画艺术“神韵”“意境”固有的理解而形成的艺术特征,以及艺术家生活阅历、文化素养、思想情感、品格操守、天赋禀性等因素在其绘画作品中的自然体现。是艺术家气质的真实流露。是艺术家从客观世界获得创作灵感变成主观意象,经过艺术渲染,所形成的一种与众不同的绘画风格,这就是艺术家时下所追求的个性,唐代张彦远在他的《历代名画记》中说过:“夫象物必在于形似,形似须全其骨气,骨气形似皆本于立意而归乎用笔,”宋代苏东坡有两句诗“论画以形似,见与儿童邻”也就是说国画不能单以形似作为最终目的,更重要的要在形象生动的神情上下工夫,而生动的神情,要用精妙的水墨技法来表达,否则就生动不起来,就谈不上艺术性,更谈不上个性。
怎样培养个性呢,我们知道传统的中国画风格样式是在男耕女织的原始文明中诞生发展.在儒、释、道观念的混合积淀和特殊的民族文化心理结构中形成体系、具有特定内涵的绘画形式,这种绘画样式具有民族特征,是东方传统绘画艺术的典型代表,所以任何一个画家要形成自己的个性,就必须先深入传统,再从传统中走出来,必须经历学习和创造两个阶段的不断转换创新,不断地推陈出新,才能够使作品逐渐形成自己的个性,如徐悲鸿在他扎实的写实油画基础上,大力推行以西画写实的手法改造中国传统绘画的造型体系。从而走出一条中西结合的新路子
形成自己的中国画绘画风格。画家林风眠、李可染也是这样先建立一种根植于写生基础上的创作体系,再通过“外师造化,中得心源”而得来。他们先立足于“心物统一”.再放眼于艺术创造,即“天人合一”。形成的艺术风格就是生活与艺术实践在艺术家自己的审美感悟中的最佳体现。所以本人认为,这种深入学习传统,又具有创造性的超越传统,并在长期的学习探索中反复推敲形成的独到见解所反映出画家自己的绘画风格,就是国画艺术的个性,也是一个画家艺术创造成熟的重要标志。可见,对传统的继承是画家培养艺术个性的必经之路,也是画家必须重视的基本建设。对传统的继承,除了对民族精神的继承外,同时也要继承画面程式和笔墨技巧,如果没有最基本的笔墨语言和表现技巧,那么,对客观物象的感受就算再独特也无法表达出来,从而对客观物象的精神和灵魂的深入把握更是无从谈起,这样所表现的物象就反映不出欲达的艺术风格效果,更谈不上有个性。
国画艺术个性的形成关键在敢于创新,使作品耐人寻味。去年金秋,我们有幸在福州画院展厅看到金陵名家江宏伟先生的工笔花鸟画展。江先生的作品,让参观者都会产生一种眼前一“亮”的感觉。这个感觉应是参观有个性的画展才能体现出来的。而这个画展还有个与众不同的特点,那就是“亮”的时间长,“亮”的频率也高,不像参观有些人的作品,缺乏个性,不耐看,有一“亮”即逝的感觉。究其原因,那就是江先生的作品.是一种以崭新的风格样式,在继承传统水墨的基础上经西画写实手法改造而形成,使传统中国画无论在造型,表现手法,还是在思想内涵上,都发生质的变化,因而有其很强的个性,不但作品清新、典雅、细腻,又有新古典的风范,而且技艺精湛,用古人所没有涉及到的西洋画写实的方法应用到中国画写神的意境之上,令人有赏心悦目之感。所以,我认为艺术贵在创新,要敢于走前人没走过的路,独创自己的风格,独创自己的个性,才能在浩瀚的艺海中生存下去。所谓创新就是创作就是创造,顾名思义,就是要有自己对艺术的独到见解,要像李可染先生所说:学习传统要“用最大的功力打进去,用最大的勇气打出来”,从中获益,创新不是抄袭,在学习古人,洋人好的东西时,不是全部照搬,而应该有选择地为我所用,在应用的过程中,把自己感受到的“神韵”与“意境”,通过自己审定的笔墨技法反映在画面上,经过提炼变成自己的风格,渐渐地也就自然而然形成自己的个性,全部照搬别人的作品,套用别人的技法,同样画不出自己的个性,因为这样的作品,画出来都是别人的东西,根本谈不上有自己的风格,更谈不上有自己的个性,观众看了会让人想起是学某人的或像谁的,没有生命力。正如齐白石先生说的“学我者生,似我者死”,就是这个道理。也正如时下观众所批评的“风格雷同的作品,看一幅等于全部都看过了。”“艺术雷同等于零,”就好像市场上不去开发新产品,老卖单一品种一样,看了令人生厌。国画艺术也一样,不要老跟随在别人的背后学,要有自信心,要正确对待别人的意见和建议,千万不要盲目听从别人为你所做的所谓安排,艺术画风因人而异,每个人的审美、情趣、爱好、修养都不同,盲目跟风往往会磨灭你的天赋,使你误入歧途,造成得不偿失的后果。所以我认为:对待别人的意见不应该盲目服从,人云亦云。听到意见就改,表面上是谦虚,实际上叫“优柔寡断”,没有自信心,著名作家冯骥才说过:“不承认别人不等于不尊重别人,强调自己不等于目中无人。”要坚持画自己的画,走自己的路,只要能在美术界占有自己一席之地,百花丛中树起自己的个性,相信自己的作品同样有生命力,所以,我认为盲目跟风学些技法是可以,如果全部照搬就有失去艺术性的意义,而应该要发挥自己的特点和长处,择其善者而取之,多练、多看、多读、多写生,顺其自然,然后再化解就能达到顾恺之先生所说的“迁想妙得”的境界,那么,古今中外所有的艺术精华无不可渗化融会在自己的作品之中,使自己的作品富有个性,充满生命力,从而为世人所接受。
综上所述,国画艺术需要个性,而培养个性是每个想成功的画家的必经之路,就是要通过努力创作出适应新的意境所需要的新技法,让自己的作品脱颖而出,形成自己的风格树起自己的个性,这就要求我们要创造新技法,不但要动脑筋,而且要有胆识,要有不断探索的精神,要坚韧不拔地坚持下去,失败也不要紧,这是正常现象,只要自己有明确的追求目标,持之以恒,就一定能创造出自己的新技法、新风格,形成自己的个性,增强作品的生命力!

亚洲必赢626aaa.net ,施云翔是一位水墨山水画家,作品多次在国内外展出并获奖。他在绘画艺术上勤奋探索的同时,对国画艺术的传承和创新也有自己独到的见解。

中国画和西洋画都是人类祖先在绘画艺术上的两种卓有成就的伟大发明,由于我长期接触中国画和西洋画作品,接受众多书画家们的艺术熏陶,所见所闻,谈谈对中国画与西洋画之间的区别。

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注:本文已发表在中国美术出版总社主办/国家艺术类核心期刊《美术之友》2008年第四期,同时发表工笔画作品《紫荆鸣春图》。

施云翔说,亘古以来,中国画以它特具的魅力和动人的异彩,一直吸引着东西方世界的每一个注目者。

原始时期中国画与西洋画没有什么区别,随着东西方文化发展,社会变革和社会风情、生活习性、物质发展的不同,从而产生了东西方绘画工具上的不同,于是自然而然地导致了中国画与西洋画追求美的艺术上的方式不同:西洋画追求一种立体的真实的空间效果,而中国画着眼点在“真”的基础上更追求“意”,即思想和情感的表达。由于中国画的工具特殊,材料特定,传统的毛笔、宣纸、墨汁,才能在各种笔法性能中有所发挥,“墨分五彩”:焦、浓、重、淡、清,用笔手法:疾、折、顿、挫以及墨在纸上渗透的效果,无不说明了中国画艺术笔墨手法博大精深,具有独立不羁的个性,这种个性的延续,继承和发展,逐渐形成了中华民族绘画艺术在世界上所特有的独一无二的艺术风格。

博宝艺术家网:我国的书画艺术起源很早,作为艺术家您更喜欢哪一时期的书画艺术作品?为什么?

施云翔认为,中国画体现了民族的个性和风采,包涵了东方文化的诗情寓意,画家或托情言志,或借景抒情,或景中含情。由此,造成了中国绘画理论中的一个特殊美学范畴即意境。

西洋画是单纯的视觉艺术,描绘物象比较写实,绘画就是绘画,如同摄影机在翻拍作品一样,站在这样作品面前,看到的是“真”与“实”,找不到中国画那种“形”以外的意境。而中国画不以绘画而绘画,它融中华民族传统艺术为一体,偏重于主观一面,对“神”的含意有过深究,注重物象的神似,强调思想感情和创作灵感决定着艺术的成败。宋代书画家苏轼提出“画中有诗,诗有中画”的理论,使中国画在追求神、情、意、趣方面有了更进一步发展,加上书法、篆刻的结合,笔墨不仅表现主观,而且具有更加抽象和独立的美学意义,是一种特殊形式的综合性艺术。特别要指出的是宋代兴起的文人画更能说明这一点。所以说中国画与西洋画就绘画艺术上有着根本不同的观点。

张东林:我比较喜欢宋元时期的山水画。宋代美术,由于继续了唐五代的风气,脱离了世俗的绘画观念,使其得到了独立的发展。宋元是中国古代山水画的鼎盛时期,体现了我国古代山水画的艺术成就和审美特征。据《图画见闻志》《宣和画谱》《画继》《图绘宝鉴》所载统计,仅画家就有180余人。题材、内容广泛,水墨、淡彩、青绿巧整点缀,皴法、构图、题款各具特色。其分类主要有青绿山水、浅绛山水和水墨山水三种,分别以工笔或写意的技法形式予以表现。元代山水创作在画法上追求一种古拙质朴、温韵典雅的画风,倡导“书画同源”的笔墨意境,强调笔墨的艺术趣味与艺术表现力。元代后期的山水画创作者多是为躲避元末纷乱而避居的道士或隐士,由于画家的不同遭遇及文人画的确立,更注重笔墨意趣和个人风格,注重写意和情感的抒发,追求“情景交融”的意境。他们在艺术上提倡“高雅”、“平淡天真”,理论上主张“逸笔草草”“不求形似”“聊写胸中逸气”等。元朝时期的绘画,最引人注目的是水墨山水的发展,特别是在笔墨技法上注重表

中国画的意境就是画外之音,属于它自己的艺术语言。

西洋画利用光色来表现物象,而中国画则以墨线为主,对自然形体的高度提炼。这些墨线形同书法的线条,具有表达不同精神情态和质感的能力。线与线之间的疏密、聚散、繁简、虚实、藏露、浓淡等遒润自然,笔断意连,骨力内涵,这其中不乏蕴含着艺术家们的人品、灵感和激情对艺术的倾注。中国画不但用简炼的方法描绘物象的意境,而且绘画中的线条本身又具有美的价值,这就是美学中常提到的“书画同源”的理论在创作中的应用和体现。

博宝艺术网访谈张东林访谈录,摄影之友亚洲必赢626aaa.net:。现效果和绘画思想上轻视生活的内容倾向,元代山水画促成了中国绘画史上的大转变。

中国画重视意境的创造,或者说意境是中国画的灵魂。意境的形象来自自然,又超脱自然,是艺术家思想感情的体现,是艺术家对自然形象进行取舍、集中、夸张以至变形的创造。

西洋画如实地描绘视野里的一切,是对物象的重新再现。而中国画则对大自然的大胆取舍,删繁就简,反对抄袭自然,摹仿物象,在掌握物象自然规律的基础上,主张对作品进行艺术加工、夸张等手法,并采用大面积空白突出主题,对所描绘物象的精华提炼,塑造了不受时间、空间的束缚,体现作品“神韵”、意境的艺术形象,这一形象包括了对艺术思想、趣味的追求,使中国画在极为广阔的范围内发掘和创造了美的艺术境界,大到气势磅礴的山川河流,小到微观的虫、草、花、木,都可尽收画里。唐代著名画家李昭道用了几个月时间创作了《嘉陵江山水》,而大画家吴道子却只用了一天时间就画好了,形象俱佳。这一例子无不说明了中国画不受时间与空间的限制,只要注重笔墨手法,不论时间长短,均能达到预定的效果。这是西洋画所不及的。

博宝艺术家网:随着科技的日新月异,艺术的内容和表现形式丰富多样,您对其如何看待?

意境中的含蓄,能使人感动“言有尽而意无穷”,意在言外,使人画外求之,思而得之。

西洋画重视外光对色彩的影响,而且自始至终保持对所描绘物象的距离、角度、光线的一致,重视自然科学的客观表现。而中国画则不受这些焦点透视的约束,在画面处理上主动而不随便,灵活而不呆板,还可以乘作者的兴致,发挥作者的创作灵感、激情和生活中积累的丰富想象力,来完成作者的感受和创作意图。对观察物象特征,西洋画与中国画截然不同,西洋画凭视觉在一个固定的角度,规定的时间里按步就班,描绘方式呆板。而中国画在任意角度、距离、时间里对物象采取边走边看,边看边想,边想边写的记忆式的观察,了解物理,物态和物情,抓住主要特征,然后背着物象,面对宣纸,也能做到“胸有成竹”,落笔有“神”的感觉。之所以宋代著名画家张择端可以创作出《清明上河图》,五代时期著名画家顾闳中也可以创作出《韩熙载夜宴图》,这又是作者在观察物象中以情观景,将自己的主观情感熔入客观的物象之中,是所谓“迁想妙得”,“外师造化,中得心源”的体现。中国画艺术天地之大,趣意之深,情感之妙是西洋画所不为的。

张东林:“笔墨当随时代”,是中国清代画家石涛的一句名言,“笔墨当随时代”的主张存在着三个方面的内涵。其一,所谓“笔墨”代表的是中国的传统文化,其二,所谓“随时代”,是对中国画发展问题提出的原则与标准,即传统的“笔墨”不能失去时代的气息与风貌。其三,笔墨也是物质、也是工具,这就如同西方的油彩一样,是表现“术”的载体。笔墨只有通过画家的艺术思维,才能够产生中国画独有的艺术魅力。从历史上看,每当中国画发展到一个新的时期,都会产生新的艺术表现与新的画风。如:隋唐之前,中国画的艺术表现均以线描为主,宋元之后,随着禅宗思想的影响,产生了写意的艺术风格。综合起来看,这些变化包括有技法风格的变化、题材的变化、人文精神的变化,以及绢本与纸本的变化等,这些变化都体现出了时代的特色,也正是因为有这种代表时代变化的艺术特点,其作品才得以传世。反之,抄袭、摹仿前人,脱离时代、毫无艺术建树的作品,逐渐被历史所淘汰。在中国画近现代中,虽然也出现了一些具有时代特点的作品,比如加进了一些油画的表现方法,或传统的中国山水画中加上了飞机、桥梁、高压线等现代物品,好象这种表现就是随时代了,如果仅仅以此是随了时代,那么,对中国画的
“笔墨”又哪里去了呢?“随时代”在艺术形式上要有变化,在“笔墨”的运用中也要与时代气息、风貌相符合。还有的画家为了“随时代”,将工艺美术的技能也用到了绘画中,比如水拓、柔纸、粘贴、或烫金贴银,从作品的表象看早已失去了“笔墨”的作用,又怎能称得上是绘画呢,
只能说是一流工匠的工艺品。中国画“随时代”不能离开中国传统文化,脱离了传统中国画就会失去她的艺术生命与价值。

施云翔主张继承传统但不因循守旧,并对来自域外的现代抽象夸张变形艺术给予欣赏。

西洋画的色彩是根据物象原有的光色逼真的再现,没有任何附加或强加的多余的色彩,画面色彩绝对与物象一致。而中国画不是靠特定自然光线下的虚实关系求得整体效果的,而是注重画面本身的组织取得艺术效果上的和谐,是依物象特征,结合画面整体美感和艺术效果的配合需要,对所描绘画面,因需而就地渲染。如:中国画在创作牡丹花图中,作者取其色彩相间,强烈的红黑和黑白对比色,可以画成红花黑叶,又如:中国山水画,作者也可以把青山画成水墨色的,正如吴昌硕先生所说的“作画不可太着意于色相间”。中国画色彩虽然没有西洋画那么科学,但从艺术角度上讲追求画面形神兼备,意象和谐,是中国画成功的奥妙所在。

博宝艺术家网:作为一件绘画艺术品,您认为应该从哪些方面对其进行赏析呢?

但是,他认为,只把上述艺术形式认定是纯艺术,而把写实手法的作品认定是陈旧的老套一概加以排斥,则是对中国画多样表现手法的一个很大的误解。

西洋画偏重于客观,倾向于摹仿,对自然界物象,千篇一律,按照自然光对物象所造成的明暗关系现描实绘,丝毫无改物象的色彩和形象,因此表达上注重写实。而中国画对物象远近,明暗处理则是根据作者的构思情感,绘画经验而进行创作。如:山水的远近、树叶的层叠等,都按照中国画特定的技法“三远法”、“树分四枝”等方法,用墨色的浓淡就能区别出来。这种现象得出一个结论:西洋画重物象明暗关系的处理,学习西洋画,首先要学好素描。而中国画重水墨技法,不经过学习素描,也可以直接地学习中国画。当今中国画坛上就有许多没有系统地学过素描知识的画家。当然这并不意味着学习中国画就不要学习素描,相反,学习素描更有助于中国画笔墨技法的发挥。

张东林:西方绘画重形式,中国绘画重神韵,我这里简单谈谈中国画的欣赏要点,气韵生动是绘画的一种整体感应,气韵是画之魂。好的作品总是伴随着气韵而生,历史上流传下来的佳作,都具备气韵生动的特点;笔韵是中国画家追求的较高境界,驾驭线条的能力,也是衡量画家水平的关键,中国画的用笔必须有骨力,所谓笔力遒劲就是这个意思;墨是中国画的基础,以墨为主、以色为辅,是其中国画基本特点,中国画就是点、线与水墨的交融,形成的无数细微的渐变,墨无变化则僵滞死板;作品的构图要体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界的高低,构图非常关键,构图的好坏,对作品的成败起着决定性的作用。构图法则有其自身的规律,构图的来源是生活,是眼界,是修养,是格调。看画还要远观其势,近取其质,远看大势气韵,近看点线质量。欣赏的角度是多方位的,以上是简单的直观的欣赏方法,还需要具备一定的国画基本知识,对作品表现的内容和表达的主题的理解;以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等。

施云翔说,作为造型艺术的表现手法来说,写实和变形都是可以由作者自由运用的,大可不必有所彼此褒贬。这正如文学创作上有现实主义和浪漫主义两种不同的方法一样,作者运用哪一种方法都是不可非议的。

总而言之,西洋画重视物象的客观存在,追求再现物象本来之面目,中国画重视物象的主观情感,追求物象形神,表现物象内在美;西洋画重视物象与绘画的一致,中国画却重视物象神、情、意、韵,去伪存真,塑造感人的艺术形象;西洋画重科学、讲究象与不象,中国画则侧重艺术,除了对物象大胆取舍,在诗、书、画、印上的配合有所研究,使作品耐人寻味;西洋画侧重视觉享受,中国画则重文学意趣,追求作品“神韵”的意旨。

国画家张东林简介:

中国绘画史上的各种流派也是以特定的社会历史背景而相呼应的。历代绘画史上之所以会出现异彩纷呈的绘画风格,首先是由时代、阶级、民族,以及所处的环境所描绘的对象等诸多方面的客观因素的差异而定的。

注:本文发表在《福建艺术》1997年第四期

张东林:老雨,致远堂主人。1957生。安徽省蚌埠市人,中国美术家协会会员,安徽省政协委员,中国产业书画院常务副院长。毕业于天津工艺美院。先后师从赵树松、阮克敏、何家英、孙本长诸先生;主攻山水,亦涉足人物、花鸟。作品曾多次在“中国美协”主办的全国大型画展上获奖,在《美术》、《国画家》、《美术报》、《中国书画报》等专业媒体上刊登,其画作被收录在天津杨柳青画社出版的《现代工笔画精选》、《当代工笔画》、湖南美术出版社出版的《中国工笔画(1900-1997)》、《教学示范中国画-工笔山水画》,安徽美术出版社出版的《二十一世纪全国高等艺术院校美术教材——中国画山水》等书及教材。并独立编写了由天津杨柳青画社出版的《中国画技法丛书·水墨山石画法》、《中国彩墨山水画技法》、《中国画基础教程》等。

然而,众多画家各自不同的主观认识与情思,也是形成个人风格必不可少的条件。因此,艺术风格的形成就是艺术家本人的个性和所喜用的题材等诸多客观特征相统一显示的一种独特面貌。

施云翔说缘于自己的严谨好静的个性,故创作题材常以描绘巍峨雄伟的大山和讴歌苍茫无际的白云为主调。

施云翔认为,对中国传统绘画的了解不能越过唐宋盛期的作品,尤其是宋代山水画的严谨画风和笔墨技法的精工,如宋代赵伯驹的《千里江山图》,其巨制长卷之精绝令人惊叹!还有马远的水墨山水那种寓意深刻的意境也令人入迷,值得昼夜临读。

我国古代书画家,很早就发现笔墨是一种非常丰富的抽象语言,因此古代文人画家画画的时候,侧重追求笔墨的趣味和笔墨承载的抽象表现。

甚至从某种意义上可以说,传统文人画家笔下所画的物象,都是一种“载体”。他们终极目的不是要追求外物,而是要通过描绘物象,展现内心,寓指他们在现实中无法兑现的理想。

施云翔指出,历代画师匠心独运的构思和创作态度值得效法。如“四王”的浅降淡彩,王石谷和王时敏画秋景只用很少一点儿赭石和花青,石涛大笔淋漓的泼墨山水之“法无定法”等,都是“绝活”。

施云翔强调,如何在继承传统的基础上有所突破和发展,是每一个中国画家应该思考的问题,悉心求变和不断提高自己的主观认识,应是每一个艺海之子的不断追求。

艺术家要想具备独特个性的艺术风格,还应当在自我文化修养上下功夫。古人云:“置笔墨运心而无力,求法而意不到,所失物象神韵,皆为下品”。

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