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动物画一代宗师,融贯东西的人文关注

2019年9月23日 - 亚洲必赢网址bwin
动物画一代宗师,融贯东西的人文关注

王春:融贯东西的人文关怀

时间:2013年01月27日来源:中国文化报作者:景晓萌

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  他是一位旅居美国多年的艺术家,他在西方多元文化的环境中始终保持着中国传统的人文关怀,他的作品将西方油画的材料、技法与东方工笔画的笔触和意境相结合,在大洋彼岸引起了广泛关注,他就是从湖南出发、于海外发展的艺术家王春。

  东西方文化的和谐共融

  初看王春的作品,便能感受到他扎实的基本功,这与他多年的学院教育背景密不可分。难能可贵的是,王春能够在深厚的绘画基础上辅以当代观念,将旅居海外的所见所想与中国传统人文意境相结合,形成独特的艺术风格。

  王春的成绩与他在艺术领域不懈的思考、探索息息相关。1992年,王春到美国攻读美术硕士。初到美国的王春并没有感到过多的兴奋与惊喜,而是有些失落,因为他发现,在国内研习多年的写实油画在美国已不再占据主流地位,取而代之的是以观念为主打的当代艺术形态,这让王春渐渐感到困惑。“我学的是比较传统的写实油画,刚到美国时,自己所学得不到反响,经历了一段比较苦闷的时期。”

  然而,东西方的文化冲突并没有阻碍王春前进的步伐,反而让他在不懈的探索中渐渐找到了在这种看似不可调和的矛盾中存在的契合点。“随着我在美国的时间越长,对中国文化的思念就越强烈。虽然我身处西方,真正引起心灵共鸣的还是传统的中国文化。”王春表示。他开始考虑油画的媒介同中国工笔画的技法与意境相结合,尝试创作出融汇东西、别具一格的油画作品。

  2004年,王春正式开始融合东西方艺术特色的实践,他借鉴中国工笔画法,对学院派写实油画创作加以改革,弱化油画中光线的明暗与形体的体量感,更多地采用平涂的笔触,并虚化轮廓线条,强调线与面的节奏,背景趋于纯化,人物刻画具体、细腻,洋溢着典雅的东方意境。王春鲜明的艺术风格逐渐引起美国业界的关注,通过一系列展览的举办,王春的作品开始被越来越多的私人藏家和公共机构收藏。

  都市题材聚焦当代人心声

  《你能听见我吗?》是王春融汇东西艺术风格的代表作之一。作品取材于美国家喻户晓的一个手机广告,其中信号测试员的唯一一句台词便是“你能听到我吗”,王春将这句广告词借用过来,既将其作为作品的标题,又隐喻出画中人的焦躁状态。

动物画一代宗师,融贯东西的人文关注。  “在我上课时,学生中总是有人打电话,令人很反感,手机已经成为当代人不可或缺的伴侣,其弊病也逐渐凸显。”王春这样阐述他的创作初衷。画面中描绘了坐在长凳上等公共汽车的众生相,3个人涵盖了黑人、白人和黄种人,其中的亚洲面孔几乎是艺术家本人的形象。尽管3个人物都同时面朝观众坐在一条长凳上,但每个人打手机的状态既有明显差异,又有呼应关系,人物的面部表情栩栩如生,艺术家用油画颜色充分表现了不同人种的肌肤色彩,然而在背景的处理上,采用一种中国国画不局限某个具体环境的简洁手法,使观众获得更多的想象空间。

  在当代快节奏的都市生活中,此起彼伏的物质欲望让人性中的淳朴、善良变得越来越难得,互联网的便捷加快了信息传递的速度,却也疏远了人们的距离,越来越多的人愿意通过网络、电话联络,却不愿和身边的人沟通交流。王春的作品正是捕捉了当代都市人烦躁不安的精神状态,他敏感地察觉到这种随处可见的生活场景,并对其加以定格、夸张,突出人们歇斯底里的焦虑感,使观者感同身受。在时代的飞速发展中,人与人之间却变得冷漠、怀疑,我们日夜依赖的通讯工具似乎在为人类构筑出当代的巴别塔,当沟通变得愈发困难时,我们也应该放慢脚步,倾听彼此发自内心的真挚声音。

  民族风情回归淳朴田园

  除了对当代都市题材的关注外,王春作品中另一个重要系列便是描绘少数民族生活和田园风情的作品。对少数民族生活状态的关注,不是猎奇,而是出于对纯真生活的向往,对民族传统的认知。王春介绍,每次回国,他都要到少数民族聚居的乡间采风,王春表示:“相比浮躁的都市生活,我更向往质朴的田园乡间,在那里可以看到可贵的朴实、勤劳、善良,更能接近生命的本真。”

  《又下雨了》描绘出急雨欲来,3名少数民族妇女匆忙避雨的生活场景。画面中的云朵和背景的处理富有装饰主义色彩,构图错落有致,远、中、近景兼顾,人物动作在写实的基础上略带夸张,极具舞蹈感。3人的服饰各具特色,图案、花纹的处理细致入微,足见艺术家对人物和生活的细腻观察。同样是对生活场景的描绘,《饼干》则侧重于表现温馨的母子亲情,襁褓中的孩子正在享受美味的饼干,身背孩子的母亲则面带微笑,充满慈爱地凝视着孩子,为母子俩撑伞的妇女身后是湖南乡间常见的小背篓,暖色调的背景进一步烘托出温馨祥和的气氛,洋溢着浓郁的醇厚爱意。

  不同于一些当代艺术家重视观念甚于技法,王春的艺术创作是将东西方人文精神融汇于同一画面中。学院艺术的深厚功底,美国人勇于创新的精神激励,对中国传统文化的深刻思考,促成了王春艺术变革的成功。当油画技法回归到媒介本身时,艺术家的创作空间就变得更广阔,王春摆脱了某一种创作范式的局限,创造性地打破了油画与中国画的界限,让东西方的艺术语言与人文思想在同一画面上得以对话。

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荣宝2012年春季艺术品拍卖会将于2012年6月20—24日在北京亚洲大酒店拉开序幕。承继着2011秋拍市场的回调,2012年的春拍将注定理性而平实的。在这样的大格局下,荣宝油画春季拍卖秉承一贯务实努力的风格,此次春拍为藏家提供写实经典作品、当代艺术家的优秀作品以及有收藏潜力的年轻艺术家的优秀作品。

问题:国画与油画相比较有什么本质区别?

刘奎龄(1885─1967),字耀辰,号蝶隐,自署种墨草庐主人。中国近现代美术史开派巨匠,动物画一代宗师,被誉为“全能画家”,能工善写,擅长动物、植物、人物画及山水画,他描摹的动物种类之多,范围之广至今无人可追。

在经典写实版块中,我们征集到了陈逸飞、陈衍宁、夏星、黄鸣、艾轩、罗中立等一系列作品。此次重点推荐的是陈逸飞1984年创作的《满载而归》。此作曾于1984年10月30至11月17日在HAMMER
GALLERIES《陈逸飞近作展览》上展出。陈逸飞的水乡系列作品多以瑰丽辉煌的暖色调和强烈的阳光感见长。这件《满载而归》在陈逸飞的水乡系列中是比较特别的一件精心之作,此作相比于后来在哈默画廊中展出的作品,《满载而归》则更精致丰富,创作上也少了些对西方口味的刻意迎合,更显出陈逸飞的本真。画面定格在一个静谧而温暖的傍晚瞬间。晚霞如锦,老宅沧桑,炊烟袅袅,水波宁静,作品的笔法比同一系列其它作品更温婉细腻,构图严谨且不乏新意。摇橹的村妇和满载而归的小船占据了主画面,所有的色彩都经历了一种适度的变化,呈现出一种舒缓感。草垛、小船、村舍、原野完全笼罩在金色的余晖中,就连远处的天际也勾上了金边,唯有静静流淌的河水纳入了天空的蓝色。这种笔法具有愉悦的、断然抉择的特色,这一切,都会悄悄地用温柔的语言,向我们诉说着画家朴素宁静充满憧憬的江南旧梦。

回答:

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西方的油画一定掌握光线,明暗,透视度、线条,呈现立体感。着色是写实方法。头层不理想可以涂改修整。油画看起来逼真,立体感强。可在画布上,木板上作画,颜料很讲究。

他善于“势”的营造,绘画作品“虚处不嫌窗框松,实处勿感板结紧”,其画风华滋清润,厚劲灵动,意境深邃。其创作恰与徐悲鸿的“尽精微,致广大”契合。

陈逸飞《满载而归》

中国画是宣纸加毛笔,墨为主。无论工芼画,山水画,动物草虫画都是作者在意境中创作,下笔前作者头脑已拟定出整个画面,富有诗情画意,形象生动,神韵。真真假假,虚虚实实,一气呵成。毛笔线条功夫相当讲究,国画不可涂改,所以写意国画相当难。初学者先工笔画为好。

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同时还推荐另外一件新时期中国油画静物经典的画作,黄鸣1993年创作的《一盘没有下完的棋》。黄鸣的油画《一盘没有下完的棋》油画作品,参加1994年在中国美术馆展出的“第二届中国油画展”;
2005年油画参加“大河上下——新时期中国油画回顾展”
(北京);2011年参加“回顾与展望湖北油画艺术展”(武汉);
2011年参加“吾土吾民油画系列展•人文江南——油画邀请展”(杭州)等一系列重要展览,并有多达15次以上的重要出版。该作品既是黄鸣的成名之作,也是其具有代表性的作品,同时也是新时期中国油画静物经典的画作之一。黄鸣创作的《一盘没有下完的棋》油画作品运用了隐性在场的表达方式,以物的状态隐喻情节、故事和人物的存在。在《一盘没有下完的棋》油画作品中,黄鸣竭力经营最为简单的绘画元素——横线和竖线,他以最为简单的绘画元素创造出最为坚固的艺术。因此,黄鸣的绘画看似是具象的,实质是抽象的;看似是极繁复的写实,实质是极精简的形式建构。在这样精心经营下,黄鸣以极为理性的方式经营画面中形与形之间的结构及比例关系,使作品既有严谨精巧的形式结构秩序,而又不失绘画表现的变化及灵活性。这件博物馆级的作品也是第一次以拍卖的方式呈现在大家面前,十分值得期待。

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刘奎龄是传统派和中西融合派的中坚,他从古典主义、文艺复兴、浪漫主义、现实主义甚至印象派光色运用、油画技术以至夸张变形中吸取营养,他注意到西方现代艺术与中国传统艺术在创造精神上的相似性,光大了传统写实技法,其艺术风格影响了惠孝同、刘子久、陈少梅、刘继卣、何家英等北派艺术家。

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国画,往往喜欢通过山水,云朵,天空,旷野,树木,花朵的描绘,来表达创作者的主观感受,画面通过水墨与宣纸结合时产生的特别效果,强调的是作品的韵味与意境。

其代表作《上林春色图》深得徐悲鸿高度赞扬,并被其赞誉为“当代中国画坛翎毛第一人”。

黄鸣《一盘没有下完的棋》

油画则不同,创作者重在如实地表达所要描绘的对象的客观形象,力求精确。

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当代艺术单元征集到以周春芽、庞茂琨、何森、郭伟等艺术家的作品。同时,我们继续推出年轻艺术家的优秀作品。这批多数80后来自各大美术院校的年轻艺术家们,没有显赫的履历,没有长长的展览,没有过多的修饰,有的是一颗颗对艺术无限热爱的年轻的心,有的是天然去雕饰的质朴与清纯。这将是油画市场新鲜的血液,这也正是油画艺术的未来。

所以,随着科学技术的进步,特别是解剖学的进步,通过研究人体的骨骼、肌肉的结构,又直接影响了人体油画的发展,对人体描绘的客观和准确性大大地提高。

上林春色图 刘奎龄

当代水墨专场打传统复兴牌

不同的文化决定了对美学艺术认识的不同。由于文化不同,比如:西方把人体叫做艺术,中国则认为就是裸体画。西方的油画作品是够真实的,问题是缺少先进文明和文化的支撑,成了低俗下等的画作了。

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2011年秋季荣宝首开当代水墨专场,取得了良好的成绩。2012年春季荣宝继续开辟当代水墨这块处女地,它区别于传统意义上的水墨,以当代中国画坛中坚力量与新锐艺术家为主体,扶持、挖掘和推出优秀中青年艺术家为己任,以荣宝独有的视角来选取艺术家的作品。中国水墨画的发展,从传统走向现代,正以全新的精神状态和表现形式进行着前所未有的探索和追寻,众多的艺术家们以满腔的热情投入到这场继承与变革中,在传统的基础上进行现代转型,将东西方文化进行融合,以本土化的绘画语言为基础,强调当代社会精神的表达,以绘画为传递情感的工具,直至哲学性的思考,使得我们感知中国画的独特魅力与深层的文化内涵。

西方的艺术家们,
达芬奇,拉斐尔等小淫虫们,把艺术活生生给搞成低俗无聊的裸体画了,文艺复兴就是一把小淫虫们画女性裸体的盛宴,无不显示着他们文明的贫瘠。
有的问西方的裸体画怎么都没有毛?这就说明了不是许多人不懂西方艺术,而是都觉得所谓的西方艺术就是普通人眼中的裸体画而已,不管用什么语言去包装修饰,离不开裸体画的本质。西方的艺术,具有极强的视觉冲击力。没有意境想象的美妙,只有淫意满满。

在历代画史中,鲜有像刘奎龄这样表现题材如此广泛的画家,举凡翎毛花卉、水族鳞介、草虫蔬果、走兽、人物、山水,靡不涉猎,尤以花鸟、草虫、走兽最为见长,传世作品的数量也最为可观。技法丰富还新颖,画面丰富和谐,清新优雅,写实而主风神,堪称画坛之独步。为了在艺术实践中突破传统工笔画的僵局,以及为更新传统画法辟一新路,刘奎龄先生献出了毕生的精力。

本次当代新水墨正是在这样的思考下,面向全国院校、画院及专业艺术家征集,遴选出一批带有一定创新思想的工笔画作品和水墨新作,每一幅作品都是艺术家经过精心的创作,参与这次拍卖的艺术家们同样秉承着笔墨当随时代,继承传统与发扬传统的使命,坚守着艺术这方神圣的领地。苏柏斗、雷子人、陈子、魏为、秦修平、沈宁、韩非、孙震生、杨佴旻、周雪、曾健勇、李嘉儒等等这些艺术家的作品都在不同程度上注重当代观念的意义和价值,画家们在领略传统的真谛之后,怀着自己特有的文化抱负,希望在自己的画面中实现中国传统文化的现代形态,同时又不失东方美学,不论是观念的植入还是题材的大胆尝试,元素的增舍、表现手法、还是画面气息,都在提示着它与传统有着千丝万缕的联系,在各自的实验中恪守着对技法、质地、品格、精神和对文化、人文修养的不懈追求。在中国传统中一脉相承的文化精神背后,承载着丰富的历史文化图景,贯穿于各个时期的文化艺术的发展。我们反观传统,并不意味着恢复、重复,而应该是复兴与发扬,将传统文化复兴,推陈出新,在当下的视野中去融合、重构、实现中国特有的当代文化艺术思想,让水墨超越时间和历史的界限,尽情地去挥洒我们的灵感与天分,解衣般礴,实现我们理想化的艺术人生境界。

艺术的真正美需要高尚文明的内在支撑,而不是就披上一层“皇帝的新装”而称之为艺术。西方艺术史就是活生生的一部兽艺。

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其实,我们的美学,在历史上一直都是最极致的。我们的洛神赋图、清明上河图、富春山居图、汉宫春晓图、百骏图、步辇图、唐宫仕女图、五牛图、千里江山图等等,哪一副不吊打小淫虫画的裸体画,直接甩她几万条街道。

名家辈出的二十世纪画坛中,刘奎龄是一位卓而不群的艺术大师,他在时代的艺术涅盘中悄然崛起,除了具备一般艺术家的天分及其自身素质之外,也有许多违背艺术规律与常规逻辑之处。古人云:学者必有师。刘奎龄却是独辟蹊踁、自学成才。

陈衍宁《等待蓝天》147×81cm

在中世纪之前的中国,是人类文明的核心。再反观我们现在一些画家,学的西方画风过多了,这就令人忧伤了。我想,在绘画方面也不需要过度西方画风。

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刘奎龄私淑古人,却不拥有古人的真迹,只能梭巡于“借观”名家真迹和珂罗版印刷品之间;古人云:“读万卷书,行万里路”,而刘奎龄却躲在津门近郊土城小院成“一统”;他没有出国留洋,也没有进过正规的美术院校,却在中西文化互渗的花鸟画、动物画的技法之结合上得是如此优秀。这或许是其获得成功的“秘笈”之一罢。当然这一切亦和刘奎龄于传统私塾教育的基础上,较早的接受“新式教育”有相当大的关系。

其实,这是一个东西方文化艺术比较学的范畴,中国画是东方艺术的最重要代表,油画则是西方艺术主要代表。两者之间有共同之处,那就是艺术来源于生活,又高于生活,是对现实生活的反映,也就是说艺术的内容基本上一致。但是,中国画与油画的确是存在很大区别的。中国画主要有人物画,山水画,花鸟画,按照颜料分,有水墨画,水彩画。油画是西方绘画艺术的主流,也是当今世界的绘画艺术的主流,主要有人物画和风景画两种。自古以来,中国画侧重于写意,也就是画的意境和精神升华,对于写实,人物的尺寸和光影的运用不够讲究,一句话,就是不够逼真。在形象逼真这一点,西方油画表现得更加好,特别是人体油画,西方人画得绝了,写实非常了得。其实,进入现代社会以来,随着文化交流的发展,现代艺术已经开始融合,整合和糅合,出现了统一艺术课程,人才辈出,佳作频现。

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刘奎龄先生对传统的意境美有着独特的体验,对”洋为中用”有着独到的理解,他用中国画的工具材料,将西方绘画的写实精神挖掘得恰到好处。他的画既有工笔特色的精意结构,又有水墨小写意的笔墨韵趣,二者结合得水乳交融。以其宽广的画路,为丰富发展中国画的技法开拓新的表现领域做出了重要的贡献。

国画与油画的确在本质上有着众多的区别,它们是两个不同地域和文化背景下产生的两种艺术形式。

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中国画重在主观表达,强调神韵;油画则重在客观写实,强调的是形似。

刘奎龄的国画技艺全面,花卉、禽鸟、畜兽、山水画均取得了较高的成就,但画畜兽、禽鸟的造诣最能独步画坛。他真正做到了将古今优秀的笔墨传统、现实生活中的自然物象、西洋画的真实感和整体感与其丰富活泼的艺术想象,极为圆满地融为一体,形成了别具一格的艺术面貌。

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具体而言,国画与油画首先在材料的选择上就区别很大。

刘奎龄一生创作颇丰,其作品涉猎题材广泛。他博采众长,融汇中西,独创“湿丝毛法”、“景衬法”、“计白当黑法”等动物画技法,将用笔、用色与用水灵活地结合在一起,以多种颜色调配成典雅的色泽,惟妙惟肖地表现禽鸟畜兽的形体结构、肤色光泽,收到了极佳的艺术效果。

国画主要通过宣纸、墨、毛笔、颜料等来创作作品,水、墨、或者颜料与宣纸的结合会产生奇妙的效果,主要靠经验去判断、控制墨汁在宣纸上洇散的效果,来实现画面意境;而油画则是通过画布,颜料,油剂,调色后一层一层的涂画,色彩控制相当精确。

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对于传统绘画,刘奎龄有很深的功底。他不是简单的临摹,而是真正的吃透、掌握、融会贯通,接触到西方绘画后,他能合理地学习借鉴、巧妙融合,这是很难做到的。

基于用料的不同,同时也确立了国画与油画表现的侧重点的不同。

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国画,往往喜欢通过山水,云朵,天空,旷野,树木,花朵的描绘,来表达创作者的主观感受,画面通过水墨与宣纸结合时产生的特别效果,强调的是作品的韵味与意境。

刘奎龄的绘画艺术大致分为3个阶段:第一阶段是20年代末至30年代初,研究五代、宋、元诸家,画风受明、清影响;第二阶段为30年代后期,在学习郎世宁画法基础上,将西洋画之色彩、透视比例融合于中国传统工笔国画之中,形成自己特有的艺术风格。其作品纤细逼真,神态自然。第三阶段是40年代后,画技又进一步,自成一家。与刘子久并称“津门二刘”。

油画则不同,创作者重在如实地表达所要描绘的对象的客观形象,力求精确。

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所以,随着科学技术的进步,特别是解剖学的进步,通过研究人体的骨骼、肌肉的结构,又直接影响了人体油画的发展,对人体描绘的客观和准确性大大地提高。

刘奎龄是中国20世纪中国美术的杰出代表。刘奎龄绘画艺术风格映射出近代中国文化与西方文化相互融合的大趋势。他一生追求写实,浓缩了20世纪中国写实绘画的历史。

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国画重视线条,讲究书画同源。具体到绘画实践中,特别强调了线条的运用。比如人物的轮廓,是依靠线条勾勒。

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而油画则不太讲究线条,重在对光与色彩的对比应用,将不同物体的特征通过色彩的变化对比表现出来,与实物无异。

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最后再说一点,就是国画不太重视透视法,作画时层层叠叠,远近高低较为随意。

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油画则严格按照透视法的要求进行画面布局,营造的空间力求与客观现实一致,整个画面给人的感觉就是观赏者眼睛里所洞察的一切。

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回答:

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国画含蓄,油画直白!

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国画与油画,绘画的方法完全不同,如果在展览馆里观赏画,一眼就能区别出哪幅画是中国画,哪幅画是油画。就是国画与油画在绘画方法上,本质上有明显的区别。
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画国画是以线条表现自然,表现人物、动物,认为自然界物体,人物、动物形像是由线条组成的,画山水画,画各种山形讲究用各种不同的线型表达,叫”篸(Cen)”,陡峭的山用”斧劈篸”,平缓的山用”披麻篸
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再上颜色。有工笔画和写意画两种,工笔画法细致描绘,写意画粗犷豪迈,突出意境,写意还分大写意和小写意。
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油画画法,光线照射下,物体表面的明暗过度,在画布上物体、景物、人物的凹凸高低视觉,画油画认为,物体、人物、动物、景物形像由块面组成,画法直接用颜色,以不同颜色的深浅过度,画出的油画与实物形状接近,并非常有立体感。
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这就是国画跟油画本质上的区别。

注:图片来自网络。

回答:

国画和油画的本质区别是:

国画是水墨和毛笔画的,油画是颜料和扁笔画的。

中国人聪明,中国人对颜料和扁笔运用自如,所以中西方油画技术自有千秋。

外国人笨蛋,外国人永远不会使用毛笔,所以外国人永远学不会中国国画。

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先普及一下国画的基本知识。再与西方油画做出对比。

中国的绘画简称“国画”。国画在世界美术界中自成体系。

按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、花卉、瓜果、走兽、虫鱼等画科;

按表现方法有工笔、写意、勾勒、设色、水墨等技法形式,设色又可分为金碧、大小青绿,没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。取景布局,视野宽广,不拘泥于焦点透视;

按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式,辅以传统的装裱工艺;

按其使用材料和表现方法,又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等;

中国画的画幅形式较为多样,横向展开的有长卷(又称手卷)、横披,纵向展开的有条幅、中堂,盈尺大小的有册页、斗方,画在扇面上面的有折扇、团扇等。

中国绘画形式丰富,与西方油画相比较而言,中国画集大成者,包罗万象。除了绘画材料不同,没有本质区别。就如同文学艺术、影视艺术,殊途同归。提出这个观点,可能很多人不认同。

只不过中国画从元开始走下坡路,山水和文人画有点小成就,其他技法在唐宋基础上徘徊。

恰恰从元开始。西方文艺复兴、宗教改革、启蒙运动,加上大航海时代,第一次工业革命和第二次工业革命,推动文化和艺术飞跃。

一个飞跃,一个徘徊,形式上具有地域区别,材料上有了区别,本质上没有。如同美酒,白兰地和中国蒸馏酒除了材料区别,其他大同小异。

对于中国画,不要只觉得水墨画就是中国画全部。看看宋王希孟的《千里江山图》
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还有人说中国画没有透视法,看看宋朝张择端的《清明上河图》。

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中国画人物不注重解剖学,是因为中国儒家文化的基本社会规则。解剖动物,不解剖人类。这也是大家很少看到中国历史上裸体人物画。来看看解剖学的范例,唐朝韩滉的《五牛图》

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写意只是中国画一种形式,成为文人喜爱形式。西方写实较多。先看看中国写实手法,唐朝吴道子《天王送子图》

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五代黄笙《写生珍禽图》

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欧洲绘画从文艺复兴开始,开创了新古典主义、浪漫主义。由神转向民间。激情、情欲、奢靡、革命都画了,写实现实主义也画了,抛弃一笔一划的写实技法,类似中国画写意派出现了:莫奈、毕加索、蒙克、达利……
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各种不同表现主义流派兴起,或潮起潮落,或在小众传播。

艺术和美在人类是相通的,没有本质的区别。只是与地缘经济和文化发展息息相关。

中国唐宋形成诗词之美、绘画之集大成、瓷器之隽永简朴已然成为历史。唉!元明清,堆砌大师。

纯属个人观点,欢迎争鸣!

回答:

国画和油画相比较有什么本质区别呢?

国画和油画是目前世界上两个最大也是最有代表性的绘画画种。国画即中国画可以说是东方绘画艺术的代表,油画是西方绘画艺术的代表,国画和油画是两个不同的绘画体系。

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在我看来,虽然东西方在文化包括艺术上存在着很多差异,但是这种差异主要表现在对事物的思维认识观念上的差异,创作方式方法上的差异,审美习惯上的差异,但是从本质上讲,是没有区别的,就如同汉语与英语,虽然是两个不同的语种,但都是用来表达和交流人们思想感情的语言,它们在本质上是没有区别的。

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国画和油画也是这样,它们都是以图象的形式表现生活中的真善美,表达作者的思想情感和审美意识,给读者以视觉上的感染和启示。它们都来源于生活。这是它们的本质。很显然,国画和油画从本质上讲是没有区别的。也正因为本质上没有区别,才有了东西方绘画即国画与油画的互相学习借鉴,交流融合。

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当然,本质上没有区别不等于创作思维创作方法创作形式创作内容上没有区别。从传统上看,在创作思维上,国画是以自然为中心,贯穿的是“天人合一”的思想。油画是以自我为中心,贯穿的是“人本主义”的思想。在创作方法上,国画与油画使用的材料、工具完全不同。国画创作的主要材料和工具是水墨、水彩、毛笔、宣纸,油画创作的主要材料和工具是植物调和油、颜料、麻质画布和扁笔。在创作形式上,国画追求的是“写意”也就是画的意境,注重将中国传统文化融入画中,如诗书画印四位一体等。油画主要强调“写实”,注重形似,注重形象塑造和色彩运用,使画面更具真实感。在创作内容上,国画以表现山水居多,油画以表现人物为主。

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区别是明显的,但没有本质上的区别。随着东西方文化的不断交流,国画与油画的交融互补将会越来越多。

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油画重形,国画尚意。

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